ARTÍCULOS DE CÓMICS-15: PASQUAL FERRY: CONSTANCIA RECONOCIDA

PASQUAL FERRY: CONSTANCIA RECONOCIDA

  

Tuve ocasión de conocerlo de pasada hace muchos años. Fue a raíz de un fanzine que publicó la Casa de la Juventud, en el cual participé con una pequeña colaboración. De forma paralela a la publicación del mismo se hizo una exposición que incluía algunos de sus originales y de los premiados en el Concurso de Cómics (Antes de que el certamen llevara el nombre de “Quiñones”).

Debo reconocer que cuando me lo presentaron no tenía ni idea de quién era. Luego con tranquilidad di una vuelta por la sala y pude ver algunas de sus planchas. Me parecieron fantásticas, pues era la primera vez que veía de cerca obras de un autor reconocido y por mi limitada capacidad para el dibujo, me llamó la atención principalmente lo limpio de la línea y lo exacto de su trazo.

Luego me interesé por sus publicaciones y cayó en mis manos “La ruta de la medusa” una historia que se había serializado en la revista “Cimoc” y que era un ejemplo gráfico de la “línea rota” que imperaba en esa época.

Este artista catalán que empezó su trayectoria en los años 80 junto a otros reputados autores de su generación, como José María Beroy, Das Pastoras o Miguelanxo Prado, consiguió ver su trabajo en las mejores revistas de la época como “1984”, “Rambla”, “Cairo” o la mencionada anteriormente “Cimoc”; En las cuales tuve ocasión de seguirlo de forma esporadica.

Sus páginas en “El jueves” y en otras revistas de humor no me parecieron tan interesantes,  de ahí hasta que llegara a ver cuatro álbumes recopilatorios de sus historias para adultos y ganara el Premio al autor Revelación del Salón del Cómic de Barcelona en 1989 por “Crepúsculo” fué un periodo en el que afianzó su estilo.

En los noventa, con la decadencia de las revistas de cómic, intentó dar el salto al mercado americano de los superhéroes, cosa que me chocó bastante, dado el tipo de historias que había dibujado hasta entonces.

Publicó para la división británica de Marvel, pero no tuvo la suerte de Carlos Pacheco o Salvador Larroca y no fue hasta 1995 que no empieza a publicar de forma regular para Estados Unidos.

Él confiesa que el género de superhéroes le había fascinado desde pequeño, pero el hecho de que le encargaran números de relleno o pequeñas colaboraciones en series punteras, hace que su trabajo no termine de llamar la atención ni de ser visualmente atractivo.

Sin embargo, se va notando en su trabajo una calidad ascendente, se aprecia en sus páginas que se va adaptando al género y su particular lenguaje de acción y espectáculo. Así en la serie “Warlock” consigue aunar esto mezclándolo con un  estilo de cómic de “autor”, logrando un resultado bastante interesante.

En el 2000 recala en DC Comics donde valoran mas su potencial, y tras varios trabajos menores, le encargan la serie regular de Superman “Action Comics” ( la mas veterana del personaje) y de ahí tras pasar por “Adam Strange” – donde tiene mas control creativo – vuelve a Marvel por la puerta grande encargándose como titular de varias series del universo “Ultimate” donde su estilo se afianza por completo.

Es un placer ver en sus planchas cómo ha conseguido un magnífico equilibrio gráfico entre el necesario dinamismo de esa temática y el buen gusto visual de herencia europea, donde el color infográfico no es una herramienta que camufle las carencias del trazo, sino que lo complementa perfectamente con una riqueza cromática que acompaña a una línea que en ocasiones puede parecer escasa, pero no es sino la depuración de la misma en su justa expresión.

Dentro de poco estará de nuevo en nuestra ciudad con motivo de unas jornadas sobre cómics que se están organizando y espero tener el placer de volver a ver de cerca originales de su factura, así como aumentar mi colección de ejemplares dedicados por él, y si diese lugar, felicitarlo personalmente por cómo ha conseguido su sueño y el reconocimiento internacional que se merece.

ARTÍCULOS DE CÓMICS-14: JEAN GIRAUD, MOEBIUS Y VICEVERSA

De todo este artículo lo único que me criticaron en su día fue que frivolizara al definir al Sr. Jodorowsky simplemente como un "Chileno extravagante", bueno, la labor artística de esa persona es encomiable y la admiro y respeto, pero me sigo rearfirmando en los adjetivos que le puse en su día que para nada tenia connotaciones peyorativas.

JEAN GIRAUD, MOEBIUS Y VICEVERSA.

Creo que siempre estuvo dentro de él, como en la película “Alien, el octavo pasajero” en la que colaboró en el diseño de vestuario y tecnología de la parte terrestre, esa creación suya que era Moebius le salió desde el interior desgarrando su estilo y apropiándose de su personalidad.

Esto fue en 1963, cuando Jean Giraud, el conocido autor del “Teniente Blueberry” cambió la forma de enfrentarse a la historieta y desde entonces todos los aficionados hemos salido beneficiados.

De la noche a la mañana y empujado por la necesidad de romper y buscar nuevas formas de comunicación nace su alias (la banda de Moebius es una superficie de una sola cara, un plano o un papel tiene dos caras. Su representación grafica es muy similar al símbolo del infinito en matemáticas).

Como tal comienza una serie de historias cortas, de ciencia ficción con toques de humor negro: Arzach, la desviación, the long tomorrow, etc. Su trabajo se volvió trasgresor e imaginativo, el mayor ejemplo es “El garaje hermético”, en el que rompe todas las normas tradicionales en un comic y que finalmente se ha convertido en una obra maestra.

Este dibujante, ejemplo de la dicotomía creativa, nace en Nogent-sur-Marne (Francia) en 1938 y tras sus estudios de arte viaja a Méjico a reunirse con su madre y descubre un mundo de inspiración le ha marcado desde entonces en cuanto ha hecho.

Tras otros trabajo publica en 1963 “Fort Navajo” primer álbum de Blueberry, personaje que le llevó a la fama y que narra las aventuras de un western inspirado por las películas de Sam Peckinpah y del cual han salido hasta hoy 45 números.

forma el grupo de los "Humanoides Asociados" con otros autores como Philippe Druillet, Dionnet y Farkas. Juntos editarían la revista "Metal Hurlant", donde se revelaría como autor completo en renovadoras series.

Luego será a través de la amistad y la colaboración con un chileno extravagante afincado en México -el artista Alejandro Jodorowsky- que el recuerdo de su primer viaje se reavivará y tomará otras formas.

En 1978, Giraud deja de fumar y beber, adopta la alimentación vegetariana y su obra adquiere un peculiar tono espiritual siempre tamizado por el humor. Pone en marcha las aventuras de El Incal, con el personaje de John Difool, una invención hecha conjuntamente con Jodorowsky y que tendrá un éxito internacional. Nos cuenta la historia de un detective de poca monta que con la ayuda del extraño pájaro que tiene como compañero será capaz de moverse en el terreno de la metafísica. Sus indagaciones les llevarán por un mundo de aventura heroica y símbolos en el que el objetivo será alcanzar la realización personal a través de la iluminación.

Cuando vio Akira, ha sido gran fan del estilo de dibujo japonés, en especial de Katsuhiro Otomo y de Yukito Kishiro y sus obras se han visto influenciadas por este hecho.

Desde entonces sus colaboraciones se han volcado en proyectos cinematográficos al margen de la ya mencionada cinta de Ridley Scott, están "Tron" (1982), "Blade Runner" (1982), "Masters del universo" (1986), "Willow" (1987), "Abyss" (1989) o "El quinto elemento" (1997) y un proyecto de adaptación de “Dune” que nunca vió la luz.

Su línea de dibujo era mas clásica bajo su nombre de nacimiento, pero cuando se amparó en su seudónimo se hizo mas clara y menos abigarrada, dando paso a un juego de colores planos y tramas muy personales que confieren a sus ilustraciones una textura muy personal.

Aunque en sus ultimas realizaciones esa diferencia (supongo que auto impuesta) se va diluyendo poco a poco dando lugar a una tercera persona artística fruto de la fusión de las dos anteriores, creando una nueva percepción de su plasmación sobre el papel.

De echo, algunas de sus últimas obras aparecen firmadas simplemente como “Gir”, lo cual nos da que pensar que pueda estar gestándose otro genio en su interior.

ARTÍCULOS DE CÓMICS-13: LA GUERRA DE LAS EDITORIALES

Esta reflexión ya ha quedado un poco obsoleta a estas alturas, pero bueno, así lo viví en su día.

LA GUERRA DE LAS EDITORIALES

De un tiempo a esta parte estamos viendo como se está revolucionando el mercado editorial en nuestro país.

Todo comenzó hace unos años cuando sucedió algo impensable con una de las grandes: Planeta De Agostini, concretamente su división de cómics (Forum) dejaba de publicar los tebeos de “Marvel” después de varias décadas.

Realmente nunca le pertenecieron los derechos, pues según nos enteramos a posteriori, estos pertenecían a “Panini” (sí, los de los cromos) los cuales se los tenían cedidos, al contrario del resto de Europa donde eran ellos quienes publicaban directamente.

Esto, que nadie creía posible hasta que llegó el momento, tuvo varias consecuencias. Planeta cerraba su división de comics como tal, fusionándola dentro de la principal y tras arduas negociaciones le arrebataba a Norma Editorial los derechos de la gran competidora americana de la compañía de Spiderman y los X-Men: “DC Cómics”, los propietarios de Superman, Batman y la línea Vértigo.

Norma a su vez se hacía con “Wildstorm”(The Authority) y “Top Cow”(Gen-13) que había pertenido a Forum, sumandolos al otro sello independiente que llevaban publicando hasta entonces: “Dark Horse” (Hellboy)

            De la noche a la mañana se veía con la obligación de publicar y competir con unos títulos que, aparte de haber criticado encarecidamente durante los años ochenta cuando “Marvel” aparecía bajo su nombre, nunca han arraigado en estas tierras de la manera que lo ha hecho su rival.

            Y está comprobado que los personajes que cohabitan en el universo del “Hombre de Acero”, no han gozado nunca del favor del público de la misma manera que los “Superhéroes Marvel” y eso se comprobaba fácilmente comparando la presencia de cabeceras de unos y otros en las estanterías de las librerías especializadas.

          Otra consecuencia fue la migración de profesionales a la nueva editorial, si estos llevaban tantos años al frente de ese material y lo hacían bien, era lógico que “Panini” se los llevara a trabajar con ellos. Esto incrementó aún mas las dificultades para “Planeta”, pues se veía con unos derechos que no sabía muy bien que hacer con ellos y sin gente preparada para afrontarlo.

            Lo solucionó de una manera como solo una gran Editorial ellos podrían hacer: Si no sabes bien como seleccionar lo que publicar, publícalo todo.

Hemos asistido a una saturación de manera exponencial en el mercado, pues ambas han entrado en una encarnizada batalla por ver quien mantiene mas colecciones en los quioscos.

Se arriesga con personajes que no son muy conocidos, se reedita muchísimo material (incluso de una forma muy caótica, como con la subdivisión de la línea “Vértigo”, de la cual es casi imposible ordenar cronológicamente sus cabeceras si no es con una guía de lectura) y en la misma proporción ese mismo material vuelve una y otra vez de mano de los distribuidores en paquetes de ofertas por el bajo volumen de venta en su primera tirada.

Por otro lado, esa carrera por conseguir los listados de novedades mas abultados cada mes  repercute en un bajo o nulo control de calidad del producto final, con errores de edición, traducción o maquetación que se están volviendo desgraciadamente muy habituales.

Incluso se comentó la retirada de los derechos por decisión de la editorial estadounidense precisamente por ese bajo resultado y el descontento de cómo estaban haciendo las cosas, pero esto solo son rumores.

La parte positiva es que Planeta está arriesgando con enfoques diferentes como su línea “BD” en la cual ve la luz material franco-belga a precios asequibles y muchos clásicos que han visto ediciones mejorables, pero al menos sí conclusivas.

Panini por otro lado lo ha tenido muy fácil, pues al volumen de aficionados iniciales se les está uniendo los lectores nostálgicos u ocasionales que está provocando la cantidad de adaptaciones cinematográficas que se están haciendo, permitiéndose incluso el lujo de minimizar riesgo y publicar solo lo justo bajo demanda con antelación de los libreros, obligando al coleccionista a hacerse con sus ejemplares lo antes posible pues cada vez es mas difícil el lograr conseguir números atrasados.

Por supuesto los precios de portada han ido incrementándose bastante, pero de eso no nos quejamos pues nos hemos acostumbrado a que tras la llegada del “euro” esté todo mas caro.

ARTÍCULOS DE CÓMICS-12: KATSUHIRO OTOMO, EL MANGAKA MAS OCCIDENTAL

KATSUHIRO OTOMO: EL MANGAKA MAS OCCIDENTAL

  

Todos los aficionados al tebeo y al anime japonés están en deuda con este autor -nacido en Hasama (Japón) en la prefectura de Miyagi, en 1954- por ser uno de los máximos responsables de que ambos se pusiera de moda en nuestras tierras.

Fue su obra “Akira” la que hizo que el hasta entonces hermético mercado americano se abriera a las publicaciones asiáticas y sus peculiaridades narrativas (Previo coloreado digital para satisfacer los gustos de su público, reticente a leer en blanco y negro un cómic con expectativas comerciales).

Posteriormente, esa versión se trasladó a los lectores europeos haciendo que aficionados fieles desde siempre a otros géneros se acercaran sin reparos al manga, consiguiendo un éxito sin precedentes y logrando que tanto los que habían leído “Dragon Ball” (Uno de los pocos títulos de culto disponibles aquí en esa época) como los amantes de los superhéroes o seguidores del comic franco-belga coincidieran en idolatrar la narración que Otomo desglosaba en sus viñetas.

Eso abrió mercado para obras posteriores de creadores nipones que nos demostraron que en ese género se pueden encontrar historias que van mas allá de las peleas de personajes de ojos grandes, gracias a las editoriales que apostaron por mostrarnos unos mangas mas adultos y de contenido mas trabajado, cosa que para la mayoría resultaba impensable por el precedente de que anteriormente se publicaba.

De hecho, el propio autor se considera un enamorado del tebeo occidental y eso se percibe desde el trazo realista hasta la composición de sus páginas que aunque llenas de los recursos propios del cómic japonés (las líneas cinéticas, la cámara subjetiva, los campos y contracampos) no lo hacen hasta el punto de condicionar la narración, de modo que cualquier lector puede seguir la historia e interesarse por ella.

Su debut como creador se produjo con Jyu-seï (concida en Occidente como A Gun Report) en 1990 publicó “Kanojo no ovoide”, una recopilación de historias de temática muy diversa. En ciertas partes se puede observar la clara influencia de  Jean Giraud (Moëbius)

Domu (Pesadillas) es una obra larga encuadrada dentro del género del terror psicológico, donde, como en muchas de sus historias están presentes los grandes complejos urbanos (no en vano, la trama acontece en un gran bloque de apartamentos), la violencia y la parasicología. La obra es excelente en el apartado gráfico.

En el 82, cambia de editorial, trasladándose a Kodansha y en Diciembre de ese año comienza a publicar en la revista Young Magazine el titulo al que nos hemos referido antes, Akira, inicialmente, iba a ser una obra de una longitud similar a las anteriores, pero terminó creciendo hasta alcanzar una extensión superior a las 2.000 páginas que el autor no terminó hasta 1990. Nos relata una acción que transcurre en un Tokio post-nuclear, con experimentos genéticos en niños para conseguir usar sus poderes psíquicos como armas para un ejército deshumanizado que es puesto en evidencia por un grupo clandestino de revolucionarios.

Su adaptación cinematográfica (escrita y dirigida por el propio Otomo antes de finalizar el manga, y que es una versión obligatoriamente comprimida del cómic con un final diferente) también causó un impacto tremendo en occidente, y marcó el pistoletazo de entrada de la invasión de la animación japonesa en occidente durante los años 90, y fue el primer ejemplo de manga que viene acompañado de adaptación animada que sirve para popularizar o dar a conocer aún más a un público más numeroso la obra original en cómic.

Después emprendió un nuevo proyecto, esta vez sólo como guionista: The Legend of Mother Sarah, el dibujo es de Takumi Nagayasu.

A partir de este momento, dejará el manga totalmente apartado para dedicarse por completo al cine de animación (salvo en contadas excepciones).

Realizó una historia dentro del número 4 de la serie Batman: Dark & White, dando su propia versión del personaje y en 2002, realizó el texto de un libro para niños Hipira, un travieso pequeño vampiro, ilustrado por Shinji Kimura.

Y por último “Steamboy”, largometraje del 2004 y la película de animación más costosa de la historia del anime hasta la fecha cuyo periodo de producción ha sido de 10 años.

Todo esto nos confirma el buen hacer de un dibujante obsesionado por el detalle y el perfeccionismo como podremos observar si nos acercamos a sus páginas.

ARTÍCULOS DE CÓMICS-11: LA MUJER DEL COMIC

A ver, este artículo fue el culpable de que dejara de hacer estas cosas para el Diario de Cádiz, no por ellos ni mucho menos, sino por alguna crítica que recibí de los lectores al respecto. Y no es que soporte mal la críticas (aunque esa en concreto y bajo pseudónimo no era nada constructiva) era mas bien por el hecho de meterme en algo que no era mi campo. Lo mío son los dibujos (más o menos) y no las letras, así que decidí que cada cual en lo suyo y todos tan contentos. Y que si me han de poner faltas a algo que haya hecho que al menos tenga capacidades para intentar mejorar en ese campo en un futuro.

LA MUJER DEL COMIC

Lo comentaba con mi mujer el otro día, de hecho fue idea suya el tema de este artículo.

Es delicado, y difícil por lo extenso, el hablar de ello sin caer en comentarios machistas ni en problemas con la ley de igualdad, pero bien es cierto que existe una paradoja enorme cuando hablamos de la mujer y el comic.

La presencia femenina en éste ha estado relegada desde el principio a meras apariciones como elemento de comparsa para el protagonista masculino, aquella frase de “¡Oh, mi héroe!” en boca de Olivia cuando era rescatada por Popeye de los brazos de Brutus sería el ejemplo mas simple y directo de su rol en las historias: El de ser un objeto de chantaje por parte del malvado de la aventura y que ha se ser salvada.

O representadas como una “femme fatal” capaz de engatusar con sus encantos de corte oriental, como en “Terry y los Piratas”, en papeles extrapolados del cine negro.

Años después, ya entrados en los 60 y con la liberación sexual por medio nos encontramos con heroínas que viven libremente al margen del poder del sexo opuesto o inclusos son éstos los que se ven utilizados como en “Valentina” o “Barbarella”.

Pero por supuesto seguían apareciendo en guiones  que eran escritos y dibujados por hombres.

Comentábamos entonces si no sería un poco un círculo vicioso, si por lo general las mujeres no leen comics, las editoriales no se preocupan por ellas y por tanto no se preocupan en publicar títulos enfocados a sus gustos (lo cual ya me parece una discriminación, como en las nostálgicas obras de “Esther” de Purita campos u otras publicaciones de esa época con argumentos políticamente correctos para su tiempo) sino que por lo general su participación como creadoras se ha visto muy reducida hasta hoy día.

Poco a poco, afortunadamente, la cosa ha ido cambiando y su presencia va consiguiendo hacerse mas fuerte por distintos caminos según el lugar donde se origine.

No se si el término “dibujanta” está recogido por la academia de la lengua, así que me referiré a ellas como autoras.

En el mercado comercial europeo, tenemos casos puntuales como el de la iraní Marjane Satrapi que ha logrado un éxito internacional sin precedentes con sus álbumes, así como una adaptación en película del mas famoso de ellos. Con toda la dificultad que conlleva la educación cultural de sus orígenes.

Aparte de ella su presencia casi se reduce mas a ilustradoras (Victoria Francés) que a realizadoras completas en guión y dibujo.

Con el manga es muy diferente, en Japón cada serie tiene un enfoque muy dirigido a un público concreto y ello hace que desde los años sesenta se hayan visto publicadas obras con ventas importantes firmadas por mujeres (el grupo denominado “Clamp” sería un buen ejemplo de ello), aún siendo su sociedad de tintes menos liberales en ese aspecto.

Ello está haciendo que en nuestro país el público femenino se acerque y se vuelque mas en este estilo y este mercado como no había sucedido nunca en la nuestra historia del tebeo, fomentando incluso que muchas seguidoras editen sus propias revistas (en muchos casos de manufacturación artesana, lo que sería un fanzine) imitando su grafismo oriental de líneas cinéticas, ojos grandes, temática romántica o parafilias sexuales.

Para los aficionados al comic emblemático en Estados Unidos, los superhéroes, solo son conocidos nombres que vienen relacionados con autores de peso a quienes les une alguna relación sentimental. Son varios los casos de esposas o novias que trabajan conjuntamente con estas grandes firmas a nivel de entintado o coloreado, pero siempre a su sombra.

Sin embrago las viñetas que vienen auspiciadas por sellos independientes o de editoriales mas pequeñas, están consiguiendo que obras de corte mas intimista o simplemente con enfoques y protagonismo como no se habían visto hasta ahora tengan su presencia en las librerías de casi todo el mundo.

Y ese es el camino a recorrer, que se disfrute con la lectura independientemente de que mano ha dirigido el lápiz o escrito la historia para que todos nos acerquemos sin prejuicios a narraciones que de seguro nos sorprenderán por la ausencia de testosterona.

ARTÍCULOS DE CÓMICS-10: EL MARSUPILAMI DE LAS IDEAS NEGRAS

¡Qué me gusta Franquin!... En el terreno del humor es mi referente, no lo puedo remediar.

EL MARSUPILAMI DE LAS IDEAS NEGRAS

Un autor del que el padre creativo de Tintín, Hergé, dijera que “A su lado no soy mas que un pobre dibujante” y que ha influido en el grafismo de varias generaciones de creadores es alguien que se merece le dediquemos esta página para recordar su obra o dar la oportunidad de acercarse a ella a quien no la conozca aún.

André Franquin nació en tierras belgas en 1924 y hasta los 73 años consiguió definir una nueva forma de entender la historieta que ha llegado hasta nuestros días.

Frente al estilo que imperaba en su tiempo que se distinguía por la línea clara, los colores planos y dibujos relativamente estáticos, sus realizaciones se basaban en el abigarramiento, el claroscuro, el detallismo casi tecnológico de escenarios y aparatos así como un vigoroso sentido del movimiento junto a una narración llena de dinamismo.

Leer sus historietas nos hace partícipes de un ejercicio de película de animación, sumergiéndonos en un mundo vivo que se desarrolla en el papel ante nuestros ojos.

Su formación comenzó en  Bruselas donde abandonó las enseñanzas de Bellas Artes para incorporarse a unos estudios de animación. Allí coincidió con otros grandes autores europeos como Morris (Lucky Luke) o Peyo (Los Pitufos).

Comenzó su colaboración en la revista Spirou y a instancias de Jijé - que era el dibujante que se encargaba de la serie que daba nombre a la misma: “Spirou y Fantasio”-  realizó la primera historieta de esos personajes llamada “El Tanque”, al frente de los cuales continuó hasta 1968.

Llevó a cabo una completa renovación de los mismos, alejándose de las convenciones de la historieta infantil y desarrollando un estilo gráfico más próximo al cómic realista. Enriqueció la serie con nuevos personajes, como el conde de Champignac o, sobre todo, elMarsupilami (Sobre el que mantuvo los derechos cuando se desligó de la labor creativa de la misma) , sorprendente animalito de cola prensil e inteligencia casi humana, nativo de la selva de Palombia, que apareció por primera vez en la historia "Spirou y los herederos" (1952).

A finales de los 40 trabajó de forma paralela en varias publicaciones y estuvo viajando con otros compañeros autores por América donde se vio impactado por múltiples influencias como los  cómics satíricos de la revista Mad, determinante en su trabajo posterior.

En 1957 y tras haber colaborado en el semanario Tintín, creó el que tal vez sea su personaje más emblemático: Gastón el Gafe (Rebautizado incomprensiblemente como Tomás en las últimas reediciones en nuestro país) un empleado de la Editorial Dupuis sin un cometido preciso, pero con una inagotable capacidad para provocar desastres.

Escribió para el dibujante Will Maltaite los guiones de la serie Isabelle, las aventuras de una jovencita que vive en un mundo de fantasía y algunos años después, en 1977, creó Le Trombone Illustré, suplemento "autónomo" y un poco gamberro de la revista Spirou, en el que publicó "Ideas Negras", considerada una obra maestra del género.

Se trata de una serie de historietas de una sola página caracterizadas por un amargo y salvaje humor negro, con un grafismo también marcado por las manchas negras. Al cerrarse el suplemento sólo treinta números después de su inicio, "Ideas Negras" pasó a publicarse en la revista Fluide Glacial.

En 1987 se inició una serie de álbumes sobre el Marsupilami, en la que únicamente actuó como supervisor. Su última creación fue la atípica “Chronique des Tifous”, a partir de la cual se hizo una serie de cortometrajes de animación.

En tornó a él se aglutinó la llamada "Escuela de Marcinelle", llamada así por la ciudad belga en que estaba ubicada la redacción de Spirou que integró a contemporáneos suyos en el mundo de las viñetas que nos han dejado obras que no pueden faltar en las estanterías de ningún aficionado al comic.

En el ámbito de la historieta española, es determinante la repercusión de Franquin en la obra de Francisco Ibáñez a partir de losaños setenta, sobre todo en su conocida serie "Mortadelo y Filemón". Por otro lado, el botones Sacarino, otro personaje de Ibáñez, es una mezcla de Spirou (por su uniforme de botones) y Tomás el Gafe (tanto porque, como él, trabaja en una editorial, como por su inagotable capacidad para provocar desastres).

ARTÍCULOS DE CÓMICS-9: UNA PUESTA AL DÍA

UNA PUESTA AL DÍA

Hablar de “remake”, como en el mundo del cine, cuando nos referimos a los comics quizás no sea tan descabellado.

Al igual que en ese medio, en la historia de las viñetas, también se han realizado versiones actualizadas o puestas al día de algunos personajes clásicos con mayor o menor fortuna.

Algunas veces pueden ser simplemente distintas interpretaciones según el autor que enfoque el proyecto y otras una lógica evolución del medio que se adapta a los gustos actuales o unos cambios coherentes dentro del mismo desarrollo de la serie.

Esto se hacía un poco mas evidente al principio, cuando las creaciones no pertenecían a los autores, sino a las editoriales o compañías que las publicaban.

Cuando Alex Raymond dejó de realizar “Flash Gordon” y fue Dan Barry quien se encargó de su grafismo su visión de la historia se alejaba por completo de la original y la realización discurrió por un desarrollo de aventuras mas en la línea de la ciencia–ficción que de la mitología, como había sido cuando el personaje estaba en manos de su creador.

De igual forma, un ejemplo mas claro de cómo una nueva puesta al día puede cambiar lo clásico la tendríamos mas recientemente, con este mismo comic, cuando en una muy reciente adaptación la némesis del héroe espacial, Ming, adopta rasgos de Oriente próximo al contrario de los asiáticos que le caracterizaban cuando para “el mundo libre” el peligro venía de esa zona del mundo.

En el mercado americano esto se da con una frecuencia constante, pero el ejemplo mas evidente lo tendríamos en el terreno de los superhéroes y dentro de la editorial Marcel; cuando desde hace unos años empezó a publicarse la línea “Ultimate” que pretendía presentar las versiones definitivas de sus títulos mas conocidos con unas revisiones que se apartaban al principio de sus orígenes pero que al transcurrir los números vuelven a acercarse a los mismos argumentos de hace años y solo se diferencian de ellos en el apartado gráfico.

Aquí nos ha pasado varias veces con el Capitán Trueno, con varios intentos de que arraigara de nuevo este caballero y su cohorte de acompañantes, pero que no ha ido mas allá de verse curioseado por nostálgicos seguidores que siguen prefiriendo la reedición de material antiguo.

Spirou, el personaje que el genial Franquin llevó a la fama, también ha visto como su aspecto y sus planteamientos han ido cambiando de mano de diversos artistas hasta provocar un rechazo por parte de sus aficionados en un reciente acercamiento demasiado adulto y misógino para lo que estaban acostumbrados, no así con la obra del español José Luis Munuera, que ha creado un ambiente ideal para las tribulaciones de este botones.

Otro ejemplo de puesta al día lo tendríamos con “The Spirit” de Darwyn Cooke, una adaptación un tanto inocente de estilo en lo visual, pero no por ello menos valida, del clásico de will Eisner que aporta frescura y buen hacer para suplir la técnica magistral del original.

Hay otros casos como el del emblemático Tintín en el que su creador hizo evolucionar al personaje durante su trayectoria al frente del mismo (El cambio de los pantalones bombachos por los vaqueros sería una muestra de adaptación al momento) y que dejó expresamente escrito que a su muerte nadie continuara con su obra, impidiendo que se desvirtuara de cualquiera de las maneras.

De todas formas es lógico que a cualquier autor de comics le apetezca el revisar los mitos del comic y darles su propio enfoque, pues siempre es apetecible embarcarse en un proyecto de este tipo, lo malo es cuando se recurre a esto cuando es evidente la falta de ideas nuevas o el temor a arriesgar en nuevos caminos comerciales por parte de las editoriales.

El “remake” siempre es bienvenido cuando se hace conociendo y respetando plenamente la obra anterior en la que se basa y se pretende aportar algo nuevo a lo que ya se ha contado.

ARTÍCULOS DE CÓMICS-8: EL TERROR SÍ TIENE FORMA: BERNIE WRIGHTSON

Me gusta mucho este autor, no lo puedo negar, cuando sea mayor quiero dibujar como él.

EL TERROR SÍ TIENE FORMA: BERNIE WRIGHTSON

El terror ha sido desde siempre uno de los grandes géneros de artes como la literatura o el cine y en el mundo del cómic podemos afirmar que viene representado de la mano del estadounidense Bernie Wrightson.

Con la dificultad que supone trasladar al medio impreso situaciones de tensión o suspense, este autor ha sabido plasmar magistralmente en sus obras un ambiente opresivo y torturado con tintes de inquietud y desasosiego en paisajes de árboles torturados y cielos negros.

Nacido en Baltimore (Maryland) en 1948 e influenciado por las publicaciones de la vilipendiada “EC Comics” en el terreno creativo y por Frank Frazetta en el apartado gráfico, empieza a publicar con 19 años en un fanzine unas historias de comedia macabra sobre un cadáver borracho que en 1969 le abren las puertas de la editorial que publica Superman y Batman: “DC Comics”.

Su influencia hizo que la serie de títulos que tenían dedicados al suspense fueran adquiriendo paulatinamente un tono terrorífico y que “Marvel Comics” le ofreciera trabajos en esa misma línea.

Se traslada definitivamente a Nueva Cork y mientras comparte apartamento con otros dos grandes autores (Mike Kaluta y Jeff Jones) se embarca en una serie de proyectos más personales con los que no tiene mucho éxito.

Entonces despegaría definitivamente su carrera con un personaje que se halla ligado indiscutiblemente a su grafismo: La Cosa del pantano (Swamp Thing) donde la ambientación victoriana del argumento resulta ideal para su estética barroca de cuerpos atormentados y pantanos tenebrosos poblados de malsanas vegetaciones.

Paralelamente a la realización de dicha serie, realizó varios trabajos para la revista “Creepy”, publicación dedicada por completo al horror y que permitía trabajar sin estar sujeto a la censura. Durante esa etapa fueron varias adaptaciones de obras de Allan Poe las que salieron de su plumilla, así como el famoso relato “Jennifer”.

En Estados Unidos empezó a publicarse “Heavy Metal”, un tebeo de lujo que versionaba a la francesa “Metal Hurlant” y centrado en la fantasía y la Ciencia-Ficción, para la que creó al personaje “Capitán Sternn” un crápula estelar de corte caricaturesco.

Con guión de Bruce Jones realizaría entre 1982-83 “Freak Show”, con un estilo mas gótico que nunca, que contaba las vivencias de unos seres que solo podrian definirse como aberraciones de la naturaleza.

Su implicación con el mundo del celuloide comenzó con la adaptación en comic de la película “Creepshow”, homenaje cinematográfico a las historias de la anteriormente nombrada “EC” y donde su estilo encajaba a la perfección.

Tras esto se embarcó en su proyecto mas anhelado, la ilustración de la novela de Mary W. Shelly “Frankenstein”. Con un trabajo meticuloso y obsesivo e inspirándose en los grabados clásicos logró evocar el clima decimonónico de la obra literaria con un increíble trabajo de plumilla.

A principio de los años ochenta y tras el declive del género de terror en los gustos del público, se inclina mas hacia temáticas de corte futurista y posteriormente a retomar el contacto con las principales editoriales americanas del género de superhéroes. Fruto de esta etapa serían las obras “Batman: The Cult” y la novela gráfica “Spiderman: Hooky”

Un accidente cotidiano hace que se fracture la muñeca y desde entonces se ha apreciado un lento declive en sus trabajos, pero aún así con su talento ha logrado embarcarse en otros proyectos al margen de la historieta como son ilustraciones, diseños para el mundo del cine o portadas de discos; y con todos ellos ha sabido ganarse a pulso el título de “Maestro de lo Macabro”

ARTÍCULOS DE CÓMICS-7: PORQUÉ LO LLAMAMOS TEBEO

Cuando escribí y me publicaron este artículo, me comentaron (y con razón) que había obviado explicar el origen en sí del título de la publicación, me centré mas en contar su historia y no dije nada acerca de donde viene la palabra "TBO". Pues ahora que lo hago público de nuevo pienso seguir sin contarlo... Y no es por nada, sino porque parece que no se ponen de acuerdo al respecto. Leí una página realizada por el maestro JAN en la que situaba su origen como derivado de la frase "Te leo" o "Te veo", pero por otro lado últimamente en las memorias de la secretaria de la redacción de la revista en sus orígenes aparece que dicha palabra la acuño un administrativo como derivado de una zarzuela cómica. Así que cada uno se quede con la versión que mas le apetezca.

PORQUÉ LO LLAMAMOS TEBEO

Tiene muchos nombres según el país donde se lea, en Francia y Bélgica se denomina “bande dessinée”, en Portugal “quadrinhos”, en Italia “fumetti”, en los países anglosajones “comic” y en Japón “manga” pero aquí a la historieta se la ha conocido desde siempre como “Tebeo”.

Su origen deriva del título de la primera revista de este género que se hizo popular en nuestro país: TBO.

Ésta se publicó por primera vez en 1917, con contenidos de humor blanco y dirigido principalmente a un público infantil. Una de sus principales señas de identidad desde los primeros números sería la inclusión de una historia en la portada en lugar del habitual chiste a toda página.

Con un precio de 10 céntimos y una impresión a dos colores (Rojo y negro) fue creciendo en seguidores hasta llegar a ser la publicación de este tipo mas vendida antes de la guerra civil, aún compitiendo con otra famosa revista que costaba la mitad como era “Pulgarcito”.

En esta primera época la mayoría del material publicado procedía de autores españoles y eran una sucesión de gags breves sin unos personajes fijos, durante el conflicto bélico siguió imprimiéndose en la zona republicana consiguiendo llegar hasta los mil números en 1938.

Una vez finalizada la contienda empezó de nuevo a editarse de forma irregular entre 1942 a 1952 siendo ejemplares diferentes, sin numeración, que aparecieron como publicaciones independientes y con un título diferente en cada ocasión.

Cuando consiguieron el permiso de publicación periódica se abrió una nueva etapa que llegó hasta 1972 durante la cual se establecieron sus personajes más famosos. Entre este elenco de creaciones para el recuerdo tenemos a “La familia Ulises” que era el reflejo cómico del estereotipo familiar de la posguerra; “Los grandes inventos del TBO”  presentados por el profesor Franz de Copenhague eran una sucesión de artilugios complejos con finalidades banales o “Josechu el vasco” un individuo que genera situaciones cómicas al emplear su tremenda fuerza en actos cotidianos.

Benejam, Muntañola, Raf, etc… serían algunos de los dibujantes que participaron en esos años pero aquel cuyo nombre quedó estrechamente unido al de la revista fue Josep Coll. Sus historias no tenían personajes fijos sino arquetipos como el naufrago, el vagabundo, el cazador en África, etc. Prescindía casi siempre de diálogos y su narrativa era como una sucesión de fotogramas con un grafismo muy estilizado.

TBO 2000 fue el nombre que lució en portada durante un breve periodo de tiempo en el que se incluyeron historias de mas de una página o material franco-belga así como un enfoque mas juvenil en sus planteamientos y un tipo de humor mas innovador (como en la sección denominada “La Habichuela” donde colaboró Paco Mir el que luego fuera integrante de “Tricicle”)

La competencia y las dificultades económicas de la editorial hicieron que se recurriera a la reedición de material antiguo hasta 1982 cuando los derechos fueron comprados por Bruguera que quiso de nuevo cambiarla y dirigirla a un público diferente, pero sin gran fortuna pues estaba cerca también de su cierre.

Pasa a ser propiedad de Ediciones B y en su última etapa ve pasar por sus viñetas un sinfín de creadores punteros de la época tanto españoles como extranjeros así como revisiones de los personajes clásicos, hasta septiembre de 1998 fecha en la que se publica el último número de esta histórica revista.

Desde entonces ha salido diverso material recopilatorio para satisfacer la nostalgia de más de un aficionado y aunque haya desaparecido se ha ganado un puesto de honor en la historia de nuestro comic, o mejor aún, de nuestros tebeos.

ARTÍCULOS DE CÓMICS-6: EL PADRE DEL MANGA MODERNO: OSAMU TEZUKA

Este va dedicado a todos los "mangakas" que no han visto mundo mas allá de "Dragon Ball" o "Saint Seiya"...

EL PADRE DEL MANGA MODERNO: OSAMU TEZUKA

La estampación japonesa tuvo una influencia en el arte occidental que de alguna forma podría equipararse a como el mundo del comic y sus seguidores hoy día se encuentran fascinados por las viñetas que nos vienen de Asia.

Es innegable que el conocido como “Manga” -o tebeo realizado en Japón- al margen de sus inconfundibles peculiaridades es un punto de referencia para el mercado editorial y del consumidor.

Ha conseguido llegar a un público (Juvenil, infantil y femenino) para el cual, por lo general, la afición a la narrativa en viñetas era algo inédito y ha logrado que sus personajes y títulos sean conocidos para el gran público ya sea en el formato impreso o en sus versiones animadas.

En su lugar de origen, el “manga” -que podría traducirse como “Dibujos caprichosos” o “Garabatos”- es todo un fenómeno de masas que abarca a todos los estamentos de la población pues está enfocado de manera singular a todas las profesiones (Existen títulos dedicados a panaderos, conductores de tren, jugadores de tenis, etc…), tendencias sexuales (Hentai, yahoi, yuri…) o gustos de lectura (Shonen, Shojo, Seinen, etc…) y por supuesto la característica que mas sorprende a los no iniciados en esta literatura es el hecho de que fuera de sus fronteras muchas obras se publican en el sentido de lectura oriental tal como fueron concebidos en su origen.

Todo este fenómeno artístico y mediático podría decirse que empezó a tomar forma, tal como lo conocemos actualmente,  con este hombre: Osamu Tezuka.

Nacido en 1928, empezó a estudiar medicina pero su afición al dibujo hizo que a los veinte años publicara su primera obra “la nueva isla del Tesoro” en un formato que popularizó: tomos de 200 páginas en papel de baja calidad y a precios populares.

En un país que se recuperaba de la II guerra mundial la necesidad de evadirse era evidente, y en este marco nacieron revistas infantiles dedicadas exclusivamente a la historieta como la “Manga Shonen” de Tokio donde nació el que puede ser su creación más conocida: Astroboy, un robot con forma de niño dotado de increíbles poderes.

También es considerado el creador del “Anime” (Trasladar a la animación los mangas más famosos) por la adaptación que hizo de dicho personaje en la que está considerada la primera serie de dibujos animados japonesa.

Desarrolló un esquema de epopeya en forma de serie de relatos y diversificó su producción en múltiples géneros, de los que destacan las versiones que hizo de clásicos de la literatura o el manga para chicas o “Shojo manga” (“La Princesa Caballero”, considerado el primero en su estilo).

A mediados de los años 50 la editorial desapareció,  pero ya se habían puesto los pilares de la industria del manga y anime contemporáneos.

Como guionista y dibujante fueron varias las técnicas pioneras que aportó al lenguaje del estilo que nos ocupa, como el hecho de  ser el primero en contar historias con una trama desarrollada y mas elaborada o usar onomatopeyas para dar mayor énfasis a la acción.

En el aspecto gráfico destaca por encima de todo la influencia que recibió de Walt Disney, algo que apreciamos enseguida con un solo vistazo a su obra y que se hace evidente en los ojos desproporcionadamente grandes de sus personajes, un dinamismo elástico en sus movimientos y una línea clara que nos mueve por la historia con soltura.

Tan grande ha sido su influencia que la base de su estilo perdura en los autores japoneses y en sus obras actuales, sus creaciones

 siguen viviendo en la cultura popular y tras su muerte en 1989 varios de los periódicos japoneses más importantes pidieron que se le entregara el premio Nobel de literatura, aunque fue rechazada la propuesta.

Desde 1997 se celebra anualmente el “Osamu Tezuka Culture Award”, en honor a su aporte al manga moderno, premio donde son galardonados aquellos “mangaka”  (autores que realizan manga) que siguen la visión de Tezuka. La visión de que el comic (o el manga) y los libros se hallan a un mismo nivel para narrar historias.